Vigée Le Brun, madame rêve

Le Grand Palais consacre une belle rétrospective à celle qui fut la portraitiste préférée de Marie-Antoinette avant de devenir celle de la plupart des grandes cours d’Europe.

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Ce peintre souffre d’un triple handicap. Et il fallait bien le Grand Palais pour redresser l’image. Primo: Élisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842) a servi de caution féminine à l’histoire de l’art. Quand elle est mentionnée, c’est surtout comme un caractère ayant eu le courage de s’imposer dans un milieu masculin. Secundo: ayant traversé les temps agités, du crépuscule de l’Ancien Régime au règne de Louis-Philippe, Vigée a écrit. Beaucoup. Au soir de sa vie, ses Souvenirs étaient devenus très épais. Ils constituent aujourd’hui une source de première main sur les cours et les salons d’Europe dans laquelle les historiens puisent à plaisir. Mais, du coup, voilà notre dame réduite à son rôle de grand témoin; d’abord chroniqueuse avant que d’être peintre. Tertio: quand Vigée est tout de même étudiée comme telle, on évoque essentiellement ses premiers succès. Ceux qui la conduisent à devenir la portraitiste préférée de Marie-Antoinette. Or la majeure partie de sa production est postérieure à 1789. L’exposition décline cette dernière au premier étage du Grand Palais, après avoir rappelé au rez-de-chaussée la formation, les amis, les concurrents (et aussi les concurrentes!), l’établissement à l’Académie et à Versailles, enfin la gloire, notamment acquise comme reine de la mode puis comme maître des scènes de tendresse maternelle.

Digne de Chardin

On découvre alors une artiste qui connaît parfaitement ses classiques, qui traite les carnations avec l’ambition d’un Rubens (dont elle se rêvait la compagne) ou d’un Van Dyck, qui joue parfaitement du langage de la couleur, qui s’attache à la précision des matières et à la vivacité des étoffes avec le soin des génies romains, vénitiens ou bolognais. Enfin, Vigée excelle dans l’art délicat d’enjoliver sans que cela se voie. Ses modèles ne sont jamais trahis par un excès de tricheries. Toutefois, celles-ci existent.

Cette science infuse de la grâce, sans doute l’a-t-elle acquise également à l’étude de Raphaël. Au Grand Palais, alors qu’on ignore l’identité de la majorité des modèles, les portraits émeuvent. Le sourire d’une bouche pulpeuse découvrant volontiers ses dents, un regard pétillant, sérieux ou rêveur, la superficialité en réalité très travaillée des chapeaux ou des rubans à la mode, tout, jusqu’à ce sang bleuté qui semble circuler sous les peaux laiteuses, concourt à un sentiment de fraîcheur, de délicatesse et de liberté sensuelle. Tant chez les hommes que chez les femmes. Et, par-dessus tout, chez les enfants. À commencer par ses plus proches: son frère cadet, Étienne, et sa fille unique, Julie. Le premier, Vigée le peint alors qu’elle n’a que 14 ans. Voilà d’emblée un chef-d’œuvre digne de Chardin. Campé de trois quarts, coiffé d’un tricorne et muni de son matériel de dessinateur, Étienne nous fixe avec une fierté d’adulte seulement démentie par ses joues roses. Ironie de l’histoire, à la Révolution, il deviendra membre du Comité de nationalisation des biens du clergé. Autant dire un ennemi pour Vigée la monarchiste. De son côté, Julie, qu’on découvre en bébé aux grands yeux, lovée dans un giron maternel rayonnant, se métamorphose en Vénus adolescente (Rubens encore). Sa mine mélancolique prélude aux pires orages. Ils ne manqueront pas et la rupture sera vécue comme un échec par Vigée. Le seul peut-être d’une carrière et d’une vie en tous points exceptionnelles.

by Eric Bietry-Rivierre

Source: Le Figaro

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A delayed tribute to France’s most famous woman artist

The court painter to Louis XVI and Marie-Antoinette, Elisabeth Louise Vigee Le Brun, was the first internationally celebrated woman artist. But only now, more than 170 years after her death, has France got round to dedicating an exhibition to her.

Probably the most famous of Elisabeth Louise Vigee le Brun’s paintings is the monumental portrait of Queen Marie-Antoinette and her three children, normally on display at the royal palace in Versailles.

The queen looks serious and demure – nothing like the gadabout many took her to be. Her elder boy – the dauphin – points to an empty crib, where there should have been a baby girl had she not died.

Painted in 1787, two years before the Revolution, Marie-Antoinette and her children was a clear attempt to rehabilitate the image of the unpopular Queen, whose image had just been dragged deeper into the mud by the so-called diamond necklace affair (in which a woman impersonating her had defrauded the crown jewellers).

This was the queen as dynastic mother, faithfully offering her children to the nation.

But it was to no avail. The mood was turning. In 1789 the mob forced the royal family to move from Versailles into Paris. Vigee Le Brun saw that her own life was in danger too, so on 6 October she disguised herself as a maid and fled.

Today Marie-Antoinette and her children is the crowning piece in this first ever exhibition in France dedicated to the country’s most famous woman artist, at the Grand Palais until 11 January.

More than 150 pictures have been assembled from collections all over the world, but that is still only a fraction of the more than 1,000 paintings she made during her long life, from 1755 to 1842.

Together they are an overdue tribute to a woman artist, who defied convention and prejudice by dint of hard work and talent.

The exhibition poster is based on a self-portrait
The exhibition poster is based on a self-portrait.

Interviewing curator Joseph Baillio, an American who is the leading expert on Vigee Le Brun, is a bit like filling a water bottle from a fast-flowing spring. There is so much to say on his cherished subject and the detail keeps spilling over.

“You know she made more money in her time than any male artist. Put another way – she made a lot of enemies. Including your John Hoppner, who hated her,” he says.

John Hoppner? “You know, the great British portraitist. He was jealous of the prices she commanded and in his work Oriental Tales he was most disobliging about her. Said she was feeble and vulgar!”

I had assumed that Vigee Le Brun was born into the nobility. In fact she was the daughter of a minor painter and hairdresser. Her father encouraged her talent, and at 19 she married Jean-Baptiste Pierre Le Brun, the pre-eminent Paris art dealer of the time. By studying and copying the masterpieces that passed through his collection, she taught herself the techniques.

“It was extraordinarily difficult for a woman to gain such skill, because she was barred from the official academic training that men could have. In a way, that is the most remarkable thing about her – she was self-taught,” says Baillio.

Vigee Le Brun caught the eye of the nobility, and in 1778, aged 23, she had her first commission for the royals.

The exhibition introduces a cast of characters who were the doomed elite of the ancien regime. There is Marie-Antoinette again in her official court dress – a portrait that was copied over and again and hung in foreign embassies, much like the presidential photographs of today.

And there are the princesses and the noblemen – most famously the portrait of the Comte de Calonne (now in the possession of the Queen) of which Joshua Reynolds himself said that he would not have been capable of a work so fine.

After fleeing France, Vigee Le Brun travelled around Europe taking commissions to pay her way, and creating a trail of valuable works from Naples to St. Petersburg and London. She returned to France in 1802, and lived for another 40 years.

As Baillio says, she was born in the age of Louis XV, and died in the age of steam trains and photographs.

It is not a little unjust that France has taken so long to honour one of its most famous daughters. The only previous exhibition was in Fort Worth, Texas in 1982.

In her lifetime her reputation suffered because of her association with the old monarchy. The 19th Century ignored her, and more recently critics accused her of exploiting femininity – her own and her subjects’ – to charm her way into influence.

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Feminists like Simone de Beauvoir had no time for Vigee Le Brun because she seemed obsessed with expressing love and maternity, instead of more worthwhile themes.

Baillio will have none of this. He notes that two renowned English historians of France – Simon Schama and Colin Jones – have both given Vigee Le Brun pride of place in their treatment of the period (Schama in Citizens, Jones in the Smile Revolution).

“Vigee Le Brun is not worth celebrating because she was a woman. She is to be celebrated because she was a great painter!” Baillio exclaims.

“She could capture a likeness like no-one else, and at the same time knew how to flatter. Her technique is extraordinarily beautiful. And she was one of the greatest pastellists of all time.”

What of the late British critic Brian Sewell’s remark that “Women are bloody awful painters. I don’t know why. They just are.”

“Rubbish”, says Baillio. “You don’t paint with your sex. You paint with your hand, your mind and your intelligence.

“Really every young woman should come and see this show.”

by 

Source: BBC News

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Norton Simon Museum exhibit explores impact of the first synthetic blues on French painters

“The Seine at Charenton” by Jean-Baptiste Armand Guilaumin in the exhibit, “A Revolution of the Palette: The First Synthetic Blues and Their Impact on French Artists,” at the Norton Simon Museum in Pasadena July 17-Jan 4. Photo courtesy of the Norton Simon Museum.
“The Seine at Charenton” by Jean-Baptiste Armand Guilaumin in the exhibit, “A Revolution of the Palette: The First Synthetic Blues and Their Impact on French Artists,” at the Norton Simon Museum in Pasadena July 17-Jan 4. Photo courtesy of the Norton Simon Museum.

Think of a color. Any tone you imagine can be found in the form of paint at your local art supply or hardware store, but this wasn’t always the case. It took the discovery of true blue to change things.

“Ancient Romans would have vied for the chance to dye their robes a certain color purple or to achieve a particular pure, sometimes called a true blue, the blue that we see in the ocean or the sky. To re-create that on a painting or any kind of object was so far out of reach that it’s something we can’t relate to now,” said John Griswold, Norton Simon Museumconservator.

Griswold is curator of “A Revolution of the Palette: The First Synthetic Blues and Their Impact on French Artists,” which opens at the Norton Simon Museum in Pasadena on July 17.

The story of true blue starts in Berlin in 1704 when a colorman (a person who made and sold colors to artists and textile dyers) was borrowing laboratory space from an alchemist in Berlin, Griswold said. The alchemist was creating “animal oil” for the king. His “cure-all” tonic was made with a mixture of ingredients, including blood and potash. The colorman borrowed some potash without knowing it had been contaminated with blood and added it to the blend, which he left overnight in his distiller. The next morning he returned to the lab expecting to see a red hue, but instead the mixture had made the vivid color we now call Prussian blue.

“Prussian blue was cheap. It was super strong in its ability to tint oil paint. If you added white to it or any other color it wasn’t just blue, you had a whole new range of greens available. You could modify whites or yellow to have a different kind of harmony. It opened up all these possibilities,” Griswold said.

Prussian blue allowed artists to also paint ala prima (wet on wet), using thicker paint, leaving their brushstrokes on the finished pieces.

“(‘A Revolution of the Palette’) all began with the paintings talking to me, certainly under the microscope, looking at the brushstrokes and recognizing the pigments and ‘Oh, this is the earliest, most crude version of Prussian blue, the homemade stuff,’ ” Griswold said.

“That’s what this exhibition does, it tells this story and it just gets more amazing because these two other blues (synthetic or French ultramarine and cobalt blue) appeared at the right time that really propelled things toward impressionism.”

Griswold’s favorite painting in the exhibit is the 1793 “Portrait of Theresa, Countess Kinsky” by Marie-Louise-Elisabeth Vigee-LeBrun. In it, the countess poses in a flowing, deep blue satin dress with a soft blue sky behind her.

“That dress she is wearing and the sky behind her would have been impossible without Prussian blue,” Griswold said.

"Happy Lovers" by Jean-Honore Fragonard in the exhibit, “Fragonard’s Enterprise: The Artist and the Literature of Travel,” at the Norton Simon Museum in Pasadena July 17-Jan. 4. Photo courtesy of the Norton Simon Museum.
“Happy Lovers” by Jean-Honore Fragonard in the exhibit, “Fragonard’s Enterprise: The Artist and the Literature of Travel,” at the Norton Simon Museum in Pasadena July 17-Jan. 4. Photo courtesy of the Norton Simon Museum.

For even more perspective on Prussian blue’s importance, visitors can view a detail from the painting “Self Portrait in a Straw Hat” by Vigee-LeBrun. It shows a close-up of the palette Vigee-LeBrun holds in the piece with the dabs of the paints she needed to begin her work. The paints are all earth tones, traditionally used by artists to create the base of their pictures, except next to her splotch of white is a large blob of Prussian blue.

“For that to be right there, so ready for her to use it, that really underscored to me how an artist at that time would have used a little tiny bit of Prussian blue to modify the tones of the greens in the background,” Griswold said.

Another part of the exhibit is the invention of oil paint in a tube in 1841. With a proper storage container, standards for colors could be set and artists could now request hues by name from their vendor. Plus, paint in a tube was easily portable.

“The Seine at Charenton” by Jean-Baptiste Armand Guillaumin is a plein air work with dashes of blues in the sky, water and even pathways, which wouldn’t have been possible prior to paint tubes, Griswold said.

And Prussian blue is still changing the world today, as the properties used to create it are currently used in medical research and as an antidote to certain types of radiation sickness, Griswold said.

The Huntington has also loaned the museum books to display by Isaac Newton and Voltaire that examine the changing theories on light and color.

“It’s an exciting exhibition and I think that it’s really great. As John said, these are old friends that we are examining from a scientific perspective,” said Leslie Denk, the museum’s director of public affairs.

“Fragonard’s Enterprise: The Artist and the Literature of Travel,” 60 drawings created by French artist Jean-Honore Fragonard during his first stay in Italy during the mid-18th century, also will be on exhibit at the Norton Simon Museum beginning July 17.

by Michelle Mills

Source: San Gabriel Valley Tribune

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Marie-Antoinette, reine de France et ses enfants : un tableau chargé d’Histoire

En 1785, l’image de la reine Marie-Antoinette est dégradée. En pleine affaire du collier, les pamphlets contre « l’autrichienne » pullulent. Cette dernière, pour reconquérir l’opinion du peuple français, commande à son peintre officiel, Madame Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, un portrait la représentant entourée de ses enfants.

Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, reine de France et ses enfants, 1787. Huile sur toile, 275,2 x 216,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles. Raphaël, La Sainte Famille Canigiani, vers 1507-1508. Huile sur bois, 131 x 107 cm. Alte Pinakothek, Munich.
Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, reine de France et ses enfants, 1787. Huile sur toile, 275,2 x 216,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles.
Raphaël, La Sainte Famille Canigiani, vers 1507-1508. Huile sur bois, 131 x 107 cm. Alte Pinakothek, Munich.

C’est un grand défi pour Vigée-Lebrun qui avait toujours peint la reine seule et qui n’avait alors pas l’habitude des portraits de groupe. C’est avec l’aide de Jacques-Louis David, qu’elle choisit de faire un portrait de composition pyramidale à la manière de la Sainte Famille de Raphaël. La reine Marie-Antoinette est représentée avec  ses trois enfants, sa fille Marie-Thérèse, et ses deux fils Louis-Joseph et Louis-Charles (le futur Louis XVII). Il y a aussi un berceau vide, c’est celui de Sophie-Béatrice qui meurt peu de temps après sa naissance, le tableau étant presque terminé, on décide de laisser le berceau vide.

Ce tableau marque un changement dans la communication politique de la reine. Si l’on observe les premiers portraits de la reine par Vigée-Lebrun, on y voit une reine à la mode avec des robes et des bijoux somptueux ou alors la reine en bergère, la frivole du Petit Trianon. Dans ce tableau la reine est sérieuse, sans apparat, elle porte une robe rouge symbole de la royauté. Elle est représentée comme une mère aimante, proche de ses enfants. Elle remplit le rôle que définit Rousseau dans son Emile, ou De L’éducation.

Louise Elisabeth Vigée-Lebrun Marie-Antoinette, reine de France dit « à la Rose », 1783. Huile sur toile, 116 x 88,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles. Louise Elisabeth Vigée-Lebrun Marie-Antoinette, après 1783. Huile sur toile, 92,7 x 73,1 cm. Collection Timken, National Gallery of Art, Washington.
Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, reine de France dit « à la Rose », 1783. Huile sur toile, 116 x 88,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles.
Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, après 1783. Huile sur toile, 92,7 x 73,1 cm. Collection Timken, National Gallery of Art, Washington.

Quand le tableau est présenté au Salon de 1787, Vigée-Lebrun se souvient : « Ma peur était si forte que j’en avais la fièvre. J’allai me renfermer dans ma chambre, et j’étais là, priant Dieu, pour le succès de ma Famille royale, quand mon frère et une foule d’amis vinrent me dire que j’obtenais le succès général ». C’est un triomphe auprès de la cour mais le peuple n’est pas du même avis. Deux ans plus tard, la Révolution éclate. Le berceau vide de la toile de Vigée-Lebrun était un mauvais présage. Le petit Dauphin meurt lors des Etats généraux en 1789. Marie-Antoinette et ses proches sont contraints de quitter le palais de Versailles. La fuite de Varennes est un échec, on connaît la triste fin du couple royal. Le tout jeune Louis XVII meurt à la prison du Temple en 1795, après trois ans de captivité. Seule Madame Royale survivra. Le même jour que la Reine, Louise Elisabeth Vigée-Lebrun prend la fuite avec sa fille Julie. Elle visita l’Italie et surtout la Russie. Elle continua à fréquenter les cours d’Europe. Après 13 ans d’exil, elle rentre en France, Napoléon Ier est alors au pouvoir.

Après la mort du Dauphin, la reine ne supportait plus voir ce tableau dans ses appartements, elle le fit décrocher. C’est ainsi que le tableau ne fut pas détruit pendant la Révolution et, qu’à son retour à Paris Vigée-Lebrun put le voir :

« Sous Bonaparte on avait relégué dans un coin du château de Versailles le grand portrait que j’avais fait de la reine entourée de ses enfants. Je partis un matin de Paris pour le voir. Arrivée à la grille des Princes, un custode me conduisit à la salle qui le renfermait, dont l’entrée était interdite au public, et le gardien qui nous ouvrit la porte, me reconnaissant pour m’avoir vue à Rome, s’écria : Ah! que je suis heureux de recevoir ici madame Lebrun ! Cet homme s’empressa de retourner mon tableau, dont les figurés étaient placées contre le mur, attendu que Bonaparte, apprenant que beaucoup de personnes venaient le voir, avait ordonné qu’on l’enlevât. L’ordre, comme on le voit, était bien mal exécuté, puisque l’on continuait à le montrer, au point que le custode, quand je voulus lui donner quelque chose, me refusa avec obstination, disant que je lui faisais gagner assez d’argent. À la restauration ce tableau fut exposé de nouveau au salon. Il représente Marie-Antoinette ayant près d’elle le premier dauphin, Madame, et tenant sur ses genoux le jeune duc de Normandie. »

Pour découvrir ce tableau, rendez-vous à l’exposition du Grand Palais à Paris, grande rétrospective sur l’œuvre de Vigée-Lebrun, du 23 septembre 2015 au 11 janvier 2016.  Et surtout, procurez-vous au plus vite l’ouvrage publié par les éditions Parkstone !

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HIER SOIR À PARIS… VIGÉE-LEBRUN, UNE EXPOSITION GRAND CHIC

Si vous avez une fille ou un fils à marier, emmenez-les séance tenante à l’exposition Vigée-Lebrun au Grand Palais. Aucun des publics habituels n’était à son inauguration. Ni ministre, ni amateur à l’allure « artiste ». Tout le carnet Mondain du Figaro, en revanche, s’y était donné rendez-vous. Les hommes s’appelaient Louis et leurs épouses Adélaïde. On était au-delà du chic. Des effluves de Guerlain flottaient en plein Vatican bourgeois.

C’est simple : tous les exilés de Bruxelles semblent être venus passer la soirée à Paris. Mieux : on aurait dit que les modèles étaient descendus des tableaux pour rejoindre leurs familles dans la salle. L’accent XVI° (l’arrondissement) régnait, des voix rassurantes sans aucune intonation banlieue, gaies et joyeuses comme dans un rallye. Les cartons d’invitation envoyés par le musée allaient de De… à Du…, de La Rochefoucauld à Du Barry en passant par les Polignac.

VIGÉE-LEBRUN AVAIT INVENTÉ PHOTOSHOP AVANT PHOTOSHOP

Autoportrait d'Elisabeth Louise Vigée-Lebrun. The State Hermitage Museum / Vladimir Terebenin, Leonard Kheifets, Yuri Molodkovets, Svetlana Suetova, Konstantin Sinyavsky
Autoportrait d’Elisabeth Louise Vigée-Lebrun.
The State Hermitage Museum / Vladimir Terebenin, Leonard Kheifets, Yuri Molodkovets, Svetlana Suetova, Konstantin Sinyavsky

Pas d’inquiétude : les œuvres ont beaucoup plu. Au fond, c’était des tableaux de famille du temps où les ancêtres partaient se réfugier à Coblence. Vigée-Lebrun ayant souvent peint Marie-Antoinette, toute la Cour, puis toute la ville, ont défilé devant son chevalet. Le charme de l’époque passe en entier dans ses poses fleuries. On se croirait au Hameau de la Reine. L’atmosphère est celle des « Liaisons Dangereuses ». Des courtisanes et des femmes du monde suprêmement civilisées nous sourient sans rien voir de la misère où baignent les temps. Toutes sont ravissantes.

Vigée-Lebrun ménageait sa clientèle. Elle avait inventé Photoshop avant Photoshop pour embellir ses modèles. A Paris jusqu’en 1790, puis en Italie, en Autriche, en Russie où elle voyage pendant que les Jacobins épouvantent la capitale, partout elle s’en tient à un art idéal et à des clientes idéalisées. Rien à voir avec la virilité martiale des néo-classiques et de son contemporain David. Avec elle, on est dans le sérail de l’Europe, chez les femmes qui « tiennent » la société en douceur.

Les années passent, puis le siècle, et les régimes se succèdent sans que Vigée-Lebrun change rien à son style. De 1780 à 1840, elle reste fidèle à elle-même. Observer son évolution, ce serait regardé pousser l’herbe. Rien ne change jamais. C’est joli mais un peu ennuyeux. Comme son exposition décevante mais suprêmement élégante.

by Gilles Martin-Chauffier

Source: Paris Match

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Vigée-Lebrun et les origines du sourire ultra bright

Louise Élisabeth Vigée-Lebrun est célèbre pour avoir été le peintre officiel de Marie-Antoinette et son amie. Encore aujourd’hui, elle incarne la femme moderne du XVIIIe siècle, indépendante qui éleva seule sa fille, voyagea et visita de nombreux pays. Une modernité qui se ressent également à travers ses œuvres qui, si l’on y regarde de plus près, ne sont pas que de simples portraits. Vigée-Lebrun aurait pu peindre ses modèles de manière très classique comme il était de coutume à l’époque, c’est-à-dire de face ou de trois-quarts, sans aucune émotion apparente, mais elle innova. En plus de les embellir et d’y ajouter sa touche personnelle, elle les fit sourire, laissant apparaître leurs dents. Mais alors, les origines du sourire bright dateraient-elles du XVIIIe siècle ?

Bien entendu, à l’époque où l’on prône les dents blanches et où le sourire fait partie intégrante du quotidien – publicités, campagnes électorales ou encore selfies -, cela peut paraître banal et désuet, mais remontons le temps. Jusqu’au XVIIe siècle la dentition était objet de pudeur et le fait était établi que seuls les gens de la basse société (prostituées, poivrots, pauvres) et dépourvus d’éducation souriaient en public. Dévoiler ses sentiments était déconvenu, et sourire à pleine dents était considéré comme un manque d’étiquette. De plus, connaissant les conditions d’hygiène de l’époque, qui pouvait avoir envie de montrer ses chicots.

Madame Vigée-Lebrun et sa fille, Jeanne-Lucie, dite Julie, 1786. Huile sur toile, 105 x 84 cm. Musée du Louvre, Paris.
Madame Vigée-Lebrun et sa fille, Jeanne-Lucie, dite Julie, 1786.
Huile sur toile, 105 x 84 cm.
Musée du Louvre, Paris.

Si le sourire resta scandaleux et déplacé jusqu’au début du XVIIIe, ce n’est que dans la deuxième moitié du siècle que les émotions affleurent et deviennent sujets de peinture. Il faudra attendre le XXe siècle pour que le sourire devienne pleinement symbole de sociabilité et de beauté puis le XXIe siècle pour qu’il se transforme en duck face.

Madame Molé-Reymond, 1786. Huile sur toile, 104 x 76 cm. Musée du Louvre, Paris.
Madame Molé-Reymond, 1786.
Huile sur toile, 104 x 76 cm.
Musée du Louvre, Paris.

À l’époque où le libertinage battait son plein, Vigée-Lebrun bouscula les normes culturelles et ouvrit la porte à ses prédécesseurs qui n’hésitèrent pas à peindre leurs modèles souriant. Donc si La Joconde avait été réalisée au XXe siècle avec le même sourire narquois, mais laissant apparaître sa dentition, aurait-elle été considérée comme une traînée ? Probablement pas…

Pour en savoir davantage sur cette artiste moderne, il vous suffit de consulter l’ouvrage intitulé Vigée-Lebrun et publié par Parkstone International dans la collection Focus, de faire un saut sur youtube pour jeter un coup d’œil à notre vidéo ou encore mieux, de vous rendre au Grand Palais du 23 septembre 2015 au 11 janvier 2016 !

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