French Revolutionary Artist Vigee Le Brun Reigns Supreme at the Met


Though she was Marie Antoinette’s favorite portrait painter, Elisabeth Louise Vigee Le Brun (1755-1842) was not a queen herself.  She was, however, an extraordinarily gifted artist.  Beautiful, witty, unassuming and largely self-taught, she is arguably the finest of 18th century French portrait painters and to her credit—through a long and illustrious career—she kept her head.

The Metropolitan Museum of Art’s current exhibit, Vigee Le Brun: Woman Artist in Revolutionary France, fast on the heels of its showing at the Grand Palais in Paris, is long overdue.  Katherine Baetjer, Curator in the Department of European Paintings, remarked to Roberta Smith in the New York Times’ own coverage, that it was the first time in her 40 years in the Department that a monographic exhibition has been held for a woman artist.  Better late than never, this first time retrospective of 79 portraits and one landscape will leave little doubt that the viewer is in the presence of true genius.

Vigee was the daughter of an accomplished pastel portraitist, who helped to guide her precocious talents.  It was a lucky stroke, for when he died when she was only 12 years of age, she was quick to contribute to the family’s support.  Upon first entering the exhibit, a trio of family portraits reveals a remarkable sensitivity toward her sitter.  The portrait of her mother shows a trusting, genteel fatigue, while the brother is confident, totally at ease with his school book and tri-cornered hat.  Even her stepfather, an ambitious playwright whom she suspected of hoarding her income, exhibits a benignly relaxed countenance.  By 19, she was exhibiting publicly and two years later, married to Jean Baptiste  Pierre Le Brun, the principal art dealer in 18th century Paris.  It’s interesting to note the dealer’s self-portrait included here, proudly posed with an artist’s palette, appearing every bit the artistic dandy of his day.


Though the marriage was beneficial to both, producing one daughter, Vigee Le Brun was denied access to the prestigious Academie royale due to her husband’s profession as a dealer.  Such association with the trade was strictly prohibited.  It was only through the intervention of Marie Antoinette and Louis XVI that the painter was allowed access, and a large, symbolic canvas, Peace Bringing Back Abundance, was her reception piece in the 1783 salon.  It’s an eye-catching example of her mastery of the female form, the figure of  abundance greets the viewer with exposed breast and  a cornucopia of fruit placed nearby.  But the figure of Peace hovering overhead with a dramatic sweep of emerald green cape gives a feeling of high drama to the whole composition.

Not surprisingly, some of the biggest crowd-pleasers are the three life-size portraits of Marie Antoinette.  The first to greet visitors, Marie Antoinette in Court Dress, was the result of the Queen’s summoning of the young 23-year-old artist to Versailles.  It was specifically commissioned for the queen’s mother, Empress Marie Theresa of Austria who wanted to see her daughter in royal splendor. The portrait is predictably grand, with a perfect mastery of attitude and dress in every stroke.  In all of the portraits, the subject exhibits the Hapsburg trait of a long narrow face and full lower lip, yet the painter was impressed with the queen’s carriage and said that “she walked better than any other woman in France.”

More intriguing are the paired portraits of the queen shown together for the first time—one in a simple pastoral setting wearing a white muslin frock and the other a corseted formal portrait, more befitting her role.  It’s hard to imagine today the scandal and uproar the informal portrait created—the pose is practically identical—but it was soon removed from display. (A trip to Versailles for any visitor curious about daily life for the royal inhabitants must include a train ride to Le Petit Trianon, the farm created for the queen in her role as shepherdess.)


One of Vigee Le Brun’s favorite poses for her aristocratic sitters was an over-the-shoulder glance at the viewer, a pose ideal for projecting a moment frozen in time.  One such example is the fetching Baronne de Crussol Florensac (1785) interrupted in her studies of a musical score.  It’s easy to imagine in a great many of these portraits that painter and subject were in the throes of sharing an intimate and joyful afternoon together.  Was it the artist’s intent or the ebullient nature of her subject?  She once admitted that “I painted them as dreamers and nonchalantly intent.”

The only portrait that stands out in obvious contrast is one depicting the writer Madame de Stael. Painted in the guise of Corinne, one of her more famous literary creations, it’s perhaps the only singularly unflattering portrait in the exhibit—an open mouthed, toothy impression, looking heavenward with lyre in hand, it’s an effectively eye-catching rendering but one rejected by the author.

Vigee Le Burn also exhibited a talent for self-portraiture not easy to achieve, even for the most adept.  My favorite on display, Self Portrait with Cerise Ribbons (1782) is a beautiful study of a young woman, confident in her grace and intelligence, yet exhibiting an unaffected openness.  She has chosen the contrasts of red and black hues, the black hat setting off the luminous face, the drop earring a perfect point of focus.


She could be just as adept in her portrayal of children and not to be missed is a charming portrait of her daughter Julie.  The subject is in profile, holding an angled mirror with her reflection seen in full-face.  It’s not only a totally captivating portrait but one that shows the great love and trust she must have shared with the child.

A major showstopper is surely Marie Antoinette and her Children (1787).  It’s a grand majestic painting, with the queen surrounded by her brood in a powerful, triangular composition.  Never one to forego a helpful suggestion, the painter had sought out Jacques Louis David’s advice at the outset.  The image of the young Dauphin pointing to an empty crib in the background is bittersweet, perhaps referring to the youngest offspring who had died at 11 months.

Such a close association with the queen forced Vigee Le Brun in 1789 to flee France.  While violence raged in her home country, she was quickly embraced by those who could afford her talents.  Traveling to Italy with daughter Julie, she was elected to membership in the Accademia di San Luca in Rome.  While she often worked independently, she was commissioned by the queen of Naples whose daughter Maria Louisa is on view.  Napoleon’s sister Caroline was a sitter as were several of the royalty in Vienna.  One of her most successful sojourns was the six years she spent in Russia where the family of Catherine the Great was only too happy to take advantage of her artistry.

The glitter and glamour of Russian society was obviously to her liking.  A portrait of the Countess Varvara Nikolayevna Golovina dramatically clutching her red stole against the cold, has an unmistakable boldness.  Likewise, a portrait of the young Tolstoy, draped in a rich crimson cape against a bare background, benefits from the singular focus on its subject.  The male subject hardly received short-shrift from the painter and a vibrant and powerful portrait of Stanislaw August Poniatowski, formerly King of Poland, attests to this fact.

There are additional delights in this sumptuous exhibit worth mentioning.  The only landscape,  The Festival of the Shepherds at Unspunnese, was painted near Interlaken, Switzerland and a careful look will reveal the artist with her sketchbook in the foreground.  A series of pastels includes a sketchy self-portrait in broad brimmed hat and curls reminiscent of Boticelli’s mythical beauties.

Vigee Le Brun would enjoy 40 more productive years upon her return to France, giving a detailed account of art and life in post-revolutionary Europe in her journals.  If international recognition for this major artist has been slow in arriving, the Met’s impeccable exhibit is well worth the wait.  The Musee National des Chateaux de Versailles et de Trianon, the Kunsthistorisches Museum in Vienna, the Musee du Louvre and Her Majesty Queen Elizabeth II are also responsible in no small measure for its success.

The exhibition is on view through May 15, 2016.

by Sandra Bertrand

Source: Highbrow Magazine



The Met’s Enigmatic Red Shawl, Inspired by Revolutionary France Painter Vigée Le Brun

Elisabeth Louise Vigée Le Brun, Countess Varvara Nikolayevna Golovina, Ca. 1797-1800 Photo: The Henry Barber Trust, The Barber Institute of Fine Arts, University of Birmingham
Elisabeth Louise Vigée Le Brun, Countess Varvara Nikolayevna Golovina, Ca. 1797-1800 Photo: The Henry Barber Trust, The Barber Institute of Fine Arts, University of Birmingham

Elisabeth Louise Vigée Le Brun was a pretty tough chick.  This gifted portraitist, born in 1755, showed enormous early talent as a painter, but it was hard (then as now!) for young women like her to be taken seriously. She married Jean Baptiste Pierre Le Brun, an art dealer who by reports was a bit of a sleazy gambler, in 1776, and this didn’t exactly hurt her career.

Le Brun is being honored with a major exhibition that opened today at the Metropolitan Museum of Art, and though the show is subtitled “Woman Artist in Revolutionary France,” she in fact hightailed it into exile as soon as things got hot.

And could you blame her? Before she fled the scene, Le Brun made her reputation specializing in painting the sorts of aristocratic types who liked to pose as peasant girls and grape gatherers. Her favorite subject was none other than Marie Antoinette, whom she rendered variously in a chemise dress, with a rose, wearing a blue velvet frock, helping pick up Le Brun’s paintbrushes (!), and with her kids in an enormous 108 1⁄4-by-85 1⁄4-inch oil-on-canvas that is maybe some kind of masterwork.

Was it any surprise that when the people of Paris took to the streets there were targets on Le Brun’s subjects’ backs, causing the artist to depart, first to Italy and then to Russia and Austria, before finally making it back to Paris in greatly reduced circumstances?

For some reason lost in the mists of time, Le Brun kept a red shawl in her studio and draped it around a variety of her subjects. It shows up as a sash in a self-portrait; enhancing the gowns of Countess von Bucquoi and Princess Yusupova; fluttering behind the artist’s daughter in Julie Le Brun as Flora; and encircling Count Emmanuel Nikolayevich Tolstoy in 1823.

The Met Store has chosen to reproduce this item, which it calls the Palmette Border Jacquard Shawl, in conjunction with the exhibition, and at $95 it is very nice (and who doesn’t like a souvenir for trooping all the way up to 81st Street?).

Now if only they would make me a shredded tutu in honor of Degas’s LittleDancer.

A 1790 self-portrait of Elisabeth Louise Vigée Le Brun. Photo: Galleria degli Uffizi, Corridoio Vasariano, Florence (1905)

by Lynn Yaeger

Source: Vogue


Élisabeth Louise Vigée-Lebrun : beauté, talent et modernité

Élisabeth Louise Vigée-Lebrun fut célèbre par son talent et par sa beauté. Son talent lui valut d’être admise aux académies de peinture de France, de Rome, de Parme, de Bologne et bien d’autres. Sa beauté lui valut d’être une femme à la mode, et l’agrément de son esprit de garder longtemps cette faveur qui l’entourait des gens les plus distingués de son siècle. Tout ceci se passait avant la première Révolution. Cette beauté, ce talent, cet esprit, furent dans tout l’éclat de leur brillante jeunesse sous le règne de Louis XVI, et la manière dont on accueillit et fêta ses avantages chez les princes et chez le roi prouve une fois de plus que l’on rendait alors justice à tous les genres de mérites, et que les faveurs de la cour venaient avec empressement en reconnaître et en rehausser l’éclat.

Dans tous les tableaux de madame Lebrun où l’ajustement put être arrangé au gré du peintre, les cheveux sans poudre, les draperies élégamment jetées, laissent à la nature toute sa beauté. Le succès immense qu’eurent les portraits de la reine et de toute la famille royale mit bien vite en vogue le talent de la jolie femme ; elle eut aussitôt des amis, des admirateurs, des adorateurs, des envieux et des ennemis, ce cortège obligé de la gloire.

Autoportrait au chapeau de paille, 1782. Huile sur toile, 97,8 x 70,5 cm. National Gallery, Londres.
Autoportrait au chapeau de paille, 1782. Huile sur toile, 97,8 x 70,5 cm. National Gallery, Londres.

Aux premiers symptômes d’une république, madame Lebrun, qui les aimait mieux sans doute en fiction qu’en réalité, quitta Paris et s’éloigna de la France. Elle se réfugia en Italie, cette terre des chefs-d’œuvre, où elle trouva non seulement un abri contre les dangers de la Révolution, mais les jouissances infinies qu’une imagination d’artiste devait éprouver dans cette patrie des arts.

Marie-Antoinette, reine de France, et ses enfants, 1787. Huile sur toile, 275,2 x 216,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles.
Marie-Antoinette, reine de France, et ses enfants, 1787. Huile sur toile, 275,2 x 216,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles.

Madame Lebrun peignit à Rome quelques beaux portraits ; mais il lui fallait refaire sa fortune. Tout ce qu’elle avait eu de ses nombreux ouvrages avait été perdu pour elle, et alors elle se décida à quitter la ville et le peuple des souvenirs pour un grand pays qui, en fait d’art, en était encore à l’espérance, la Russie. Vigée Lebrun fut reçue à Saint-Pétersbourg avec autant de grâce et d’empressement que de magnificence par l’impératrice Catherine II et par toute sa cour. Madame Lebrun habita successivement Saint-Pétersbourg et Moscou ; puis elle quitta la Russie, comblée d’honneurs et de richesses.

Madame Lebrun parcourut encore le reste de l’Europe, s’arrêta à Vienne et à Berlin, et rentra en France sous le Consulat. Sollicitée de faire un voyage à Londres, elle quitta de nouveau la France, y revint ensuite et en repartit encore. Enfin madame Lebrun, après de longues années de pérégrinations glorieuses et fructueuses, se fixa définitivement à Paris et à Louveciennes, où elle acheta une délicieuse maison.

L’exposition Élisabeth Louise Vigée Lebrun se termine bientôt, il ne vous reste plus que quelques jours pour vous ruer au Grand Palais ! Ou bien consultez l’ouvrage intitulé Élisabeth Louise Vigée Lebrun de la collection Focus, ainsi que celui de la collection Best Of (en anglais), publiés par Parkstone International.

Marie-Antoinette, reine de France et ses enfants : un tableau chargé d’Histoire

En 1785, l’image de la reine Marie-Antoinette est dégradée. En pleine affaire du collier, les pamphlets contre « l’autrichienne » pullulent. Cette dernière, pour reconquérir l’opinion du peuple français, commande à son peintre officiel, Madame Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, un portrait la représentant entourée de ses enfants.

Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, reine de France et ses enfants, 1787. Huile sur toile, 275,2 x 216,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles. Raphaël, La Sainte Famille Canigiani, vers 1507-1508. Huile sur bois, 131 x 107 cm. Alte Pinakothek, Munich.
Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, reine de France et ses enfants, 1787. Huile sur toile, 275,2 x 216,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles.
Raphaël, La Sainte Famille Canigiani, vers 1507-1508. Huile sur bois, 131 x 107 cm. Alte Pinakothek, Munich.

C’est un grand défi pour Vigée-Lebrun qui avait toujours peint la reine seule et qui n’avait alors pas l’habitude des portraits de groupe. C’est avec l’aide de Jacques-Louis David, qu’elle choisit de faire un portrait de composition pyramidale à la manière de la Sainte Famille de Raphaël. La reine Marie-Antoinette est représentée avec  ses trois enfants, sa fille Marie-Thérèse, et ses deux fils Louis-Joseph et Louis-Charles (le futur Louis XVII). Il y a aussi un berceau vide, c’est celui de Sophie-Béatrice qui meurt peu de temps après sa naissance, le tableau étant presque terminé, on décide de laisser le berceau vide.

Ce tableau marque un changement dans la communication politique de la reine. Si l’on observe les premiers portraits de la reine par Vigée-Lebrun, on y voit une reine à la mode avec des robes et des bijoux somptueux ou alors la reine en bergère, la frivole du Petit Trianon. Dans ce tableau la reine est sérieuse, sans apparat, elle porte une robe rouge symbole de la royauté. Elle est représentée comme une mère aimante, proche de ses enfants. Elle remplit le rôle que définit Rousseau dans son Emile, ou De L’éducation.

Louise Elisabeth Vigée-Lebrun Marie-Antoinette, reine de France dit « à la Rose », 1783. Huile sur toile, 116 x 88,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles. Louise Elisabeth Vigée-Lebrun Marie-Antoinette, après 1783. Huile sur toile, 92,7 x 73,1 cm. Collection Timken, National Gallery of Art, Washington.
Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, reine de France dit « à la Rose », 1783. Huile sur toile, 116 x 88,5 cm. Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, Versailles.
Louise Elisabeth Vigée-Lebrun, Marie-Antoinette, après 1783. Huile sur toile, 92,7 x 73,1 cm. Collection Timken, National Gallery of Art, Washington.

Quand le tableau est présenté au Salon de 1787, Vigée-Lebrun se souvient : « Ma peur était si forte que j’en avais la fièvre. J’allai me renfermer dans ma chambre, et j’étais là, priant Dieu, pour le succès de ma Famille royale, quand mon frère et une foule d’amis vinrent me dire que j’obtenais le succès général ». C’est un triomphe auprès de la cour mais le peuple n’est pas du même avis. Deux ans plus tard, la Révolution éclate. Le berceau vide de la toile de Vigée-Lebrun était un mauvais présage. Le petit Dauphin meurt lors des Etats généraux en 1789. Marie-Antoinette et ses proches sont contraints de quitter le palais de Versailles. La fuite de Varennes est un échec, on connaît la triste fin du couple royal. Le tout jeune Louis XVII meurt à la prison du Temple en 1795, après trois ans de captivité. Seule Madame Royale survivra. Le même jour que la Reine, Louise Elisabeth Vigée-Lebrun prend la fuite avec sa fille Julie. Elle visita l’Italie et surtout la Russie. Elle continua à fréquenter les cours d’Europe. Après 13 ans d’exil, elle rentre en France, Napoléon Ier est alors au pouvoir.

Après la mort du Dauphin, la reine ne supportait plus voir ce tableau dans ses appartements, elle le fit décrocher. C’est ainsi que le tableau ne fut pas détruit pendant la Révolution et, qu’à son retour à Paris Vigée-Lebrun put le voir :

« Sous Bonaparte on avait relégué dans un coin du château de Versailles le grand portrait que j’avais fait de la reine entourée de ses enfants. Je partis un matin de Paris pour le voir. Arrivée à la grille des Princes, un custode me conduisit à la salle qui le renfermait, dont l’entrée était interdite au public, et le gardien qui nous ouvrit la porte, me reconnaissant pour m’avoir vue à Rome, s’écria : Ah! que je suis heureux de recevoir ici madame Lebrun ! Cet homme s’empressa de retourner mon tableau, dont les figurés étaient placées contre le mur, attendu que Bonaparte, apprenant que beaucoup de personnes venaient le voir, avait ordonné qu’on l’enlevât. L’ordre, comme on le voit, était bien mal exécuté, puisque l’on continuait à le montrer, au point que le custode, quand je voulus lui donner quelque chose, me refusa avec obstination, disant que je lui faisais gagner assez d’argent. À la restauration ce tableau fut exposé de nouveau au salon. Il représente Marie-Antoinette ayant près d’elle le premier dauphin, Madame, et tenant sur ses genoux le jeune duc de Normandie. »

Pour découvrir ce tableau, rendez-vous à l’exposition du Grand Palais à Paris, grande rétrospective sur l’œuvre de Vigée-Lebrun, du 23 septembre 2015 au 11 janvier 2016.  Et surtout, procurez-vous au plus vite l’ouvrage publié par les éditions Parkstone !



Si vous avez une fille ou un fils à marier, emmenez-les séance tenante à l’exposition Vigée-Lebrun au Grand Palais. Aucun des publics habituels n’était à son inauguration. Ni ministre, ni amateur à l’allure « artiste ». Tout le carnet Mondain du Figaro, en revanche, s’y était donné rendez-vous. Les hommes s’appelaient Louis et leurs épouses Adélaïde. On était au-delà du chic. Des effluves de Guerlain flottaient en plein Vatican bourgeois.

C’est simple : tous les exilés de Bruxelles semblent être venus passer la soirée à Paris. Mieux : on aurait dit que les modèles étaient descendus des tableaux pour rejoindre leurs familles dans la salle. L’accent XVI° (l’arrondissement) régnait, des voix rassurantes sans aucune intonation banlieue, gaies et joyeuses comme dans un rallye. Les cartons d’invitation envoyés par le musée allaient de De… à Du…, de La Rochefoucauld à Du Barry en passant par les Polignac.


Autoportrait d'Elisabeth Louise Vigée-Lebrun. The State Hermitage Museum / Vladimir Terebenin, Leonard Kheifets, Yuri Molodkovets, Svetlana Suetova, Konstantin Sinyavsky
Autoportrait d’Elisabeth Louise Vigée-Lebrun.
The State Hermitage Museum / Vladimir Terebenin, Leonard Kheifets, Yuri Molodkovets, Svetlana Suetova, Konstantin Sinyavsky

Pas d’inquiétude : les œuvres ont beaucoup plu. Au fond, c’était des tableaux de famille du temps où les ancêtres partaient se réfugier à Coblence. Vigée-Lebrun ayant souvent peint Marie-Antoinette, toute la Cour, puis toute la ville, ont défilé devant son chevalet. Le charme de l’époque passe en entier dans ses poses fleuries. On se croirait au Hameau de la Reine. L’atmosphère est celle des « Liaisons Dangereuses ». Des courtisanes et des femmes du monde suprêmement civilisées nous sourient sans rien voir de la misère où baignent les temps. Toutes sont ravissantes.

Vigée-Lebrun ménageait sa clientèle. Elle avait inventé Photoshop avant Photoshop pour embellir ses modèles. A Paris jusqu’en 1790, puis en Italie, en Autriche, en Russie où elle voyage pendant que les Jacobins épouvantent la capitale, partout elle s’en tient à un art idéal et à des clientes idéalisées. Rien à voir avec la virilité martiale des néo-classiques et de son contemporain David. Avec elle, on est dans le sérail de l’Europe, chez les femmes qui « tiennent » la société en douceur.

Les années passent, puis le siècle, et les régimes se succèdent sans que Vigée-Lebrun change rien à son style. De 1780 à 1840, elle reste fidèle à elle-même. Observer son évolution, ce serait regardé pousser l’herbe. Rien ne change jamais. C’est joli mais un peu ennuyeux. Comme son exposition décevante mais suprêmement élégante.

by Gilles Martin-Chauffier

Source: Paris Match


Elisabeth Louise Vigée-Lebrun, the Movie

« Le film Louise Elisabeth Vigée Le Brun »

Documentaire 2 x 52 minutes, de Arnaud Xainte. Diffusion Arte. Outre l’image de peintre officielle et proche de la reine Marie-Antoinette que nous avons tendance à seule retenir avec celle de la représentation picturale d’une “certaine douceur” de vivre de cette fin de XVIIIe siècle, qui se cache derrière ces visages féminins trop lisses, trop roses, aux doux sourires esquissées ? Née en 1755 et morte en 1842, c’est sans doute grâce à cette exceptionnelle longévité que Louise Elisabeth Vigée Lebrun aura le temps de vivre ses différentes existences. Née sous le règne de Louis XV, elle connut les prémices de la révolution, vécut sous l’empire, la restauration et la monarchie de juillet, fut fêtée dans les plus grandes cours d’Europe et gagna outre la postérité, les cachets parmi les plus élevés de son temps. Son exil pendant la révolution nous conduira en Suisse, en Italien, en Autriche, en Russie et en Angleterre dans les musées et les collections privées où nous découvrirons les portraits des femmes et des hommes les plus influents des cours Européennes de l’époque.


Marie-Antoinette et le joaillier Breguet

Le 16 octobre 1793, la reine Marie-Antoinette est conduite à la guillotine, subissant à quelques mois d’intervalle, le même sort que son époux, le roi Louis XVI. Elle fut l’une des premières et plus ferventes admiratrices des garde-temps créés par A.-L. Breguet. Dans le contexte de la vie de cours des années 1780, qui mieux que Marie-Antoinette pouvait promouvoir Breguet ? Possédant de nombreuses créations du maître, elle transmit son enthousiasme à toute la cour de France ainsi qu’à ses hôtes les plus éminents. Grâce à elle, bon nombre de rois, d’empereurs, de diplomates – parmi lesquels se trouvait un certain Axel de Fersen – développèrent un goût pour les œuvres de Breguet et assirent sa réputation en Europe et au-delà de ces frontières. Fidèle cliente de l’établissement de l’horloger, quai de l’Horloge, jusqu’à sa tragique fin, elle ira en septembre 1792, alors qu’elle était emprisonnée au Temple, jusqu’à demander et obtenir une « simple montre Breguet ». Conservée comme une précieuse relique malgré sa simplicité, cette montre deviendra une pièce de la collection de Sir David Salomons de même que le chef d’œuvre de Breguet, la fameuse montre no 160 appelée la « Marie-Antoinette » que la reine ne vit jamais dans sa forme finale. Commandée en 1783 par un officier des Gardes de la reine dont le nom est resté inconnu, cette montre devait présenter l’ensemble des perfectionnements, complications et raffinements connus à l’époque. Aucune limite n’était fixée, ni pour son prix ni pour le délai. A.-L. Breguet termina le modèle de nombreuses années après la Révolution et le garda en lieu sûr, témoignant ainsi de sa fidélité à la reine.

Par sa complexité et son histoire tourmentée, cette montre a hanté le paysage horloger et le monde des collectionneurs durant près de deux siècles. Dérobée en 1983 dans un musée de Jérusalem, la « Marie-Antoinette » réapparut en 2007, tandis que Montres Breguet présentait la nouvelle « Marie-Antoinette », effectuée à partir de recherches d’archives et de dessins originaux au salon de Bâle 2008.

C’est pour évoquer cette illustre histoire que Breguet s’est inspiré d’un tableau de 1783, du peintre Elisabeth Vigée-LeBrun, baptisé « Marie-Antoinette à la rose ». La nouvelle collection « Secret de la Reine » s’est emparée de la fameuse rose du tableau pour la mettre en scène au travers d’un camée, cet art traditionnel du sud de l’Italie qui consiste à sculpter à la main la surface d’un coquillage. Toujours en hommage à Marie-Antoinette, Breguet s’inspire avec sa collection « Les Volants de la Reine » des tenues vestimentaires de la reine qui a lancé une véritable mode des rubans ou des frous-frous. Le collier, orné de saphirs taille coussin, rehausse les volutes sertis de diamants.,298,les-tresors-de-la-semaine-de-la-haute-joaillerie.html